前言 1
第一部分 艺术的本体 2
第1章 导演的工作 2
环境 2
谁能当导演 4
对被排斥者的特别考虑 5
考虑低成本 5
较短的片或较长的片 5
电影或电视 6
为何好莱坞模式不适合初学者 7
对于低成本制片者而言的重大区别 8
可取之道 9
关于戏剧表演 10
面具及戏剧的功能 12
发展电影艺术 13
达到创作者支配地位之路 14
第2章 导演对主题的确认 15
找出你生活中的事件 18
练习 18
找到你的工作之路 20
顺从你的兴趣 21
第3章 开发你的故事创意 22
收集原材料 24
流水帐 24
报纸 25
历史 25
神话和传奇 26
家庭故事 26
童年故事 27
梦 27
社会科学和社会历史 28
移置和变形 29
第一部分要点 29
第二部分 银幕工艺 34
第4章 银幕语法 34
镜头 35
镜头的内涵与外延 36
并列镜头 37
轴线 39
演员与表演接受者 40
潜台词 41
移动摄影、铺轨摄影或跟踪摄影 42
升降机的升降 42
银幕方向 42
改变银幕方向 43
从不同的角度看同一动作 43
抽象概念 45
主观性／客观性 46
持续时间、节奏和注意力 46
片段 47
过渡与过渡手法 47
银幕语言总结 48
第5章 以一个电影制作者的眼睛去看 50
练习5-1：构图分析 50
练习5-2：剪辑分析 58
练习5-3：剧本与电影成品 67
练习5-4：照明分析 69
第6章 摄影基本原理 78
如何最好地探究这些基本原理 79
拓展你的技术 80
评价的方法 81
练习6-1：基本技术：去与回 81
练习6-2：人物研究 88
练习6-3：利用实景 93
练习6-4：剪辑两个人物对话的一场戏 96
练习6-5：即兴创作 100
练习6-6：平行叙事 103
第二部分要点 106
第三部分 剧本写作与故事发展 110
第7章 电影剧本 110
当你自编自导时 110
决定主题 111
阅读剧本难在何处 112
剧本的标准模式 113
小心落入圈套 114
基础：建立大纲，处理和概念 124
第8章 写作过程 126
为什么不是自己的剧本 127
与剧作家合作 128
写你自己的剧本 129
什么都可以写 129
群聚想法和非线性写作 130
写作是迂回的，不是线性的 130
角色创作 131
电影剧本：形式应该依从功能吗 133
心系观众 134
故事的逻辑性以及假定性 134
给观众创造空间 135
可信性、最小化和故事悬念 135
不遗余力地用其他人试验 136
慎重考虑后再对批评做出反应 136
在临时演员身上试验 137
修改、修改、再修改 137
导演你自己写的剧本 138
挑战潜意识和完成 138
你的作品不是你 138
第9章 取材艺术作品或者生活 139
忠实原著的改编 140
随意改编 140
改编一个剧本形式的小说或一个真实事件 141
版权明晰 142
以演员为中心的电影剧本 142
将演员结合到剧本中去 143
由演员即兴发挥创造的剧本 145
电视小说 147
第10章 展开故事的策略 150
建立大纲 151
扩展和浓缩剧本 152
故事原型 152
英雄的旅程 154
角色展开的问题 156
最常见的缺陷 157
第11章 场景写作训练 160
游戏 160
评估你的作品 163
第三部分要点 165
第四部分 美学和作者身份 170
第12章 视角 170
文学中的视角 170
电影中的视角 171
总结 181
第13章 类型、冲突和辩证法 184
创作视觉重要事件 184
选择 186
视角和类型 187
类型与戏剧原型 188
矛盾二元性 192
微观世界和宏观世界 193
观点如何影响视野 194
戏剧、宣传和辩证法 195
建立关于热心的观察者的世界 196
幸存者电影 196
彩票赢家电影 197
观察者进入故事讲述者 197
第14章 结构、情节与时间 199
情节 200
主题思想 201
时间的处理 204
第15章 空间、风格化场景和表演 210
特殊场合的风格化 212
完整的风格化 213
奇异的环境 214
未来主义环境 215
表现主义场景 215
背景和音乐 216
风格化表演 217
为隐喻起名 218
第16章 形式与风格 220
形式 220
形式、矛盾和视角 221
视觉设计 222
声轨设计 222
节奏设计 223
主旨 224
布莱希特设计的观众辨证关系 225
长镜头与短镜头 226
短片 227
风格 228
第四部分要点 228
第五部分 前期制作 238
第17章 剧本分析 238
剧本 238
第一印象 238
需要考虑的 239
协调摄制组 239
用动作叙事 239
定义潜在意义 240
置换原则 240
心理或行为矛盾 241
定义一个前提或主旨 241
制图以帮助显示戏剧的动力 242
单元图表 242
剧本分析示范图例 243
国表 243
视点 247
笼统的解释最容易导致失败 248
为排演准备分镜头剧本 248
时间设定 248
第18章 选演员 250
选演员 250
安排第一次试镜 254
第一次复试 258
第二次复试 259
最终的选择 260
第19章 指导演员 262
寻求自然 262
导演就是排除障碍 263
靠做来保持注意力集中 263
集中精神和放松 264
情感记忆法 264
意识与肢体的连接 264
事情 265
一直忙于角色 265
注意力的流失与重新获得 266
将演员的情感转化为角色的情感 266
永不演示 267
永远别说：“演出你自己的东西” 267
设立具体而实际的目标 267
表演时如入无人之境 267
障碍：固有的习惯 268
第20章 演员的问题 270
台词和不安全感 271
依附剧本的字面意思 271
害怕变化 271
孤立的表演 272
过度理智 272
不聪明的演员 272
控制战 272
剧本创作 273
不恰当的幽默 273
妥协 273
不守时的问题 273
第21章 即兴练习以探索表演的内涵 274
发现冲突并定义单元 275
即兴表演为何有助于剧作家 275
日志 277
并非所有的表演都是二重奏 277
即兴练习 277
练习21-1：观察或是被观察 279
练习21-2：家用设备 279
练习21-3：闭上眼睛飞 280
练习21-4：“木头！” 280
练习21-5：镜中的影像 281
练习21-6：谁？哪里？什么时间？什么事？ 281
练习21-7：独角戏，没有台词 282
练习21-8：对手戏，没有台词 283
练习21-9：胡言乱语 284
练习21-10：独角戏，有台词 284
练习21-11：对手戏，有台词 285
练习21-12：塑造你自己的角色 286
练习21-13：全体表演的情形 286
练习21-14：培养情绪 287
练习21-15：连接不同的情绪 288
练习21-16：电视上的一般情景 288
练习21-17：音像品交易会 289
练习21-18：第一次约会 289
练习21-19：内在冲突 290
练习21-20：偶遇 291
第22章 剧本训练 293
剧本 293
细读 293
发展过程 294
有用之时 294
练习22-1：演员所带来的 294
练习22-2：给剧本划分节奏 295
练习22-3：改进内心独白 295
练习22-4：性格化 296
练习22-5：情节点上的表演 297
练习22-6：给我太多 297
练习22-7：让我们成为英国人 298
练习22-8：情节点检查 298
练习22-9：角色转换 298
练习22-10：将场景变成即兴表演 299
第23章 排练和发展 300
计划 301
首次通读 301
做笔记 302
通过提问来执导 302
不要向台词学习 303
做计划 303
首先讨论：关注主题的目的 303
鼓励演员研究角色背景 305
对演员—对一工作的好处和坏处 305
一次排练一个场景 305
只处理最重要的问题 306
从一个高潮到另一个高潮 306
排练录像的好处 306
不要模仿电影工业 307
何时给演员示范表演 308
第24章 导演和演员准备一个场景 309
导演 309
演员 314
参照剧本排练 317
离开剧本排演 318
第25章 最后排演和整体安排 323
主动的观察者 323
形式：观看陌生化 324
场面调度 325
实地排演的好处 325
怎样排演才充分 326
银幕长度、排演及计时 327
制作实验电影 328
第五部分要点 328
第六部分 制作 336
第26章 培养一个摄制组 336
依靠摄制组和演员 336
使用有经验的人 336
培养你自己的摄制组 337
摄制组的性情 337
成员的任务和职责 339
制片人 340
导演 342
摄像人员的普遍原则 343
摄影指导 344
摄影 344
摄影助理 345
照明和布灯师 345
录音师和吊杆操作员 346
制片经理 347
导演助理 348
剧本监督 348
布景师 349
服装和道具 349
化妆和发型师 350
剪辑 350
第27章 场面调度的要素 351
讲述者的视点 351
从剧本到拍摄脚本 352
剧本、观念和场景设计 354
谁的视点 355
视点可以改变 356
构图的选择 357
机位设置 358
问问你自己 364
对照清单 365
拍摄重要的内容不止一种方法 365
意外的计划 367
平面图和故事板 367
空间、感知和调度 369
透镜 370
镜头的选择影响图像的质感 375
镜头的选择影响镜头速度 375
机位设置的高度 376
限制摄像机的运动 376
要有勇气去简化 376
决定摄像机机位和运动的动机 377
向大师学习 380
向摄像机妥协 380
第28章 准备拍摄 381
设备选用：起草设备清单 381
外景拍摄地的安排 382
脚本顺序 386
关键场景提前安排 386
情感需求安排 387
意外事件安排 387
预算每个场景的平均拍摄时间 387
金科玉律第一条：居安思危 388
金科玉律第二条：检测第一 388
开拍与场景识别 388
第29章 指导演员 397
感官承受力 397
演员需要反馈 398
统筹安排 398
初始阶段演员的担忧 399
导演的权威 400
将你的注意力分给演员和工作人员 401
日常组织 401
针对每一个拍摄 401
针对新的拍摄 402
更多的要求 403
将未知置于考虑中 403
在风平浪静时将指导放一边 404
反应镜头 404
反对与批评 404
士气、疲惫和紧张 406
做角色的模特 406
利用交流时间和休息时间 407
什么时候该，什么时候不该让演员看工作样片 407
第30章 指挥剧组 408
分担责任 408
主动性 408
交流 409
和演员及公众的关系 409
从摄像机里看场景 410
推进进度 410
和其他成员在一起时 410
结束一天工作 411
第31章 监控过程 412
跟踪拍摄视角 412
监控你的资源 413
演剧的质量 413
充分体现原创者的意图 414
计算进度 417
超越现实主义 417
放弃控制 417
让讲述者长驻心中 418
第六部分要点 419
第七部分 后期制作 428
第32章 准备剪辑 428
剪辑：电影还是录像 428
后期剪辑概述 429
剪辑师的作用和责任 431
策略 431
个性品质 431
创造性的贡献 431
工作样片 432
合作关系 432
导演／剪辑师 433
准备剪辑 433
同步的工作样片 434
保持一份工作样片记录 434
剧组成员集中观看样片 434
剪辑师和导演看样片 435
抓住感觉 435
做记录 435
反应 436
真正的电影就在工作样片中 436
同步时码（电影） 436
省钱的办法（电影） 437
时码和窗口配音（电视） 437
电影素材的数码剪辑 437
工作样片记录 438
为脚本作标记 440
第33章 剪辑第一集 442
电影的物理过程 442
录像的物理过程 444
剪辑概念 450
第一次组合 450
观看粗略的剪辑 450
观看第一次组合 451
让剪辑师独立去剪辑 454
第34章 剪辑：从粗略的剪辑开始 455
粗剪观摩 455
模仿剪辑的意识 457
虚构与视觉的真实性 457
影片中的应用 458
改变表演节奏 459
潜台词的力量 459
剪辑的控制 460
视觉和听觉的剪辑节奏：音乐中的类推 460
戏剧应该产生在观众的想像当中 465
观众的主动性 465
填充缺口 465
重叠剪接：对自顺序 466
重叠剪接：场景顺序 468
以音响效果简略场景 469
总结 469
求助，我不能理解 470
第35章 剪辑：完成阶段 471
图解你的电影 471
试验 473
关键：声音控制 474
承受对你的批评 474
第36章 从精编到混录 478
精编 478
音响及音乐处理的讨论 478
后期配音 479
同步音响效果 479
音乐 480
音乐制作和录制的同步点 481
录音时间 481
调试音乐 481
混录能够做什么 481
混录的准备 483
解说或声音终止 483
对白不一致的问题 483
放置音乐轨 485
声音点效果 485
气氛和背景音乐 486
合成图表 486
混录策略 489
第37章 字幕和致谢辞 492
低成本电影的字幕 493
商业性的字幕运作 494
第七部分要点 494
第八部分 职业轨迹 500
第38章 计划一个专业 500
开始时的学徒身份 501
电影学校能做什么 502
找到一所合适的学校 503
自助是现实的选择 506
合作的赞成论和反对论 506
职业轨迹 507
第39章 主要国际影视专业学校 508
第40章 闯入这个行业 509
通向导演交椅之路 509
想像力 509
艺术工作者 510
个人能力的需要 511
艺术家和导演争论出结果 511
自由地取得经验 512
哪个艺术家能导演 512
出校门后直接导演纪录片 513
部长职务的重要性 513
协调自己 514
寻找虚构类影片的主题 514
表现形式和市场营销策略 515
不断从别人的作品中吸取经验 515
资金、工作和训练计划 516
展示你自己 518
第八部分要点 520
附录 524
参考文献 533